It feels like a hundred years.
A veces se me aparecen en el umbral entre el sueño y la vigilia, vienen hacia mí y ya no estoy solo.
Ses coses no són fàcils per ningú dins aquest iglú tan descongelat.
The one and only time I ever saw Toxic Boy cry was when some sodium chloride got into his eye.
La gente necesita conocer tu opinión de mierda.
Y casi sin darnos cuenta, o
sí, el pasado día 10 de marzo llegamos al programa número 100. Para celebrarlo,
no quisimos hacer un manido "best of" ni un recopilatorio imposible. Preferimos mostrar
durante 2 horas la música que nos gusta, liamos al jefe de IpopFm para que nos regalase media hora más, y que acostumbramos a radiar en el
Mineral. Como decimos en un momento dado: és un programa per fer-te una idea. Los descartes, un drama. Si no nos ponemos serios, nos vamos casi hasta las cuatro horas..
El pasado mes de marzo, el shoegazero grupo de Melbourne, Wild Meadows, publicó su disco debut de título homónimo. Anteriormente, en 2015, ya habían lanzadon un EP de presentación pero de la formación inicial actualmente solo quedan el bajista Donovan Pill y el guitarrista James Ross, destacando como cambio más significativo la entrada de la nueva vocalista, Jennifer Lawrence, que caracteriza el sonido del grupo por su cálida voz.
En la bandcamp del grupo destacan como influencias el garaje rock, psych-pop jangle sixties, la electrónica ochentera y el noise pop de los 90s. Lo cierto es que en el disco se encuentra con facilidad rastro de todo ello. Noise pop garajero en Stay for a while y la inicial First Exit, con sus poderosos riffs de guitarra y una batería desbocada. Jangle con reminiscencias las canadienses The Organ en la bonita These Days. Pop luminoso con vocación de single en Evergreen, en la que tiene el protagonismo vocal James Ross.
Pero lo que predomina en el álbum es el shoegaze; vaporoso en Feel the Noise, primer single, imponiéndose la vocalista sobre las trenzadas guitarras. Denso y rítmico en Fever y delicado y brumoso, virando hacia dream pop, en las dos canciones finales: Sunshine y Uzi, con sus etéreas capas de guitarras que llegan a recordar a los legendarios Cocteau Twins.
Wild Meadows tiene ocho canciones y sus treinta escasos minutos se hacen realmente cortos. Su sonido, compacto y vigoroso, es muy atractivo gracias al excelente trabajo en la producción por parte de Paul ‘Woody’ Annison que logra encajar perfectamente todas las piezas, contrastando las tormentas instrumentales con la dulce voz de la vocalista, para entregar un magnífico disco de inflamado shoegaze y aguerrido noise pop. Un gran debut de los australianos.
FEEL THE NOISE
STAY FOR A WHILE
EVERGREEN
WILD MEADOWS EN SPOTI
Fotografía del grupo tomada de Tomatrax, an independent online music magazine
Dos años después de la publicación de su álbum debut, Guilted of Everything –trabajo que otorgó una cierta relevancia al grupo- con referencias a la estancia de dos años en la cárcel de su líder Domenic Palermo, Nothing entrega su nueva obra Tired of Tomorrow, también publicada en el sello Relapse, especializado en sonidos mucho más extremos pero que ante la buena acogida del disco anterior, han repetido la jugada apostando de nuevo por ellos.
En su segundo disco seguimos encontrando las mismas constantes de su disco anterior, muros de guitarras conformando el sólido andamiaje de las canciones, sobre los que planea la muy melódica voz de Palermo, surfeando contantemente entre un rock alternativo deudor de los 90, un trabajado y preciosista shoegaze y un lánguido dream pop.
En la canción que abre el disco, Fever Queen así como en Our Plague nos recuerdan a unos pausados Ride o My Bloody Valentine, incluso en la arrulladora Nineteen Ninety Heaven con su pesimista letra en contraste con el tono de la canción. Tanto en el primer single, Vértigo Flowers como en Eaten by Worms o en Curse of the Sun la línea conductora hacia los Smashing Pumpkins de Siamese Dream o los Silversun Pickups más agresivos, es evidente proporcionando las canciones más vigorosas y estimulantes del disco.
En The Dead are Dumb o Everyone is Happy optan por un dream pop lánguido y con poca sustancia. Esta última junto con la postrera Tired of Tomorrow, monótona canción protagonizada por el piano y violines escasamente presentes que se alarga innecesariamente más allá de los 6 minutos, acaban lastrando en demasía el disco. Curiosamente el tema más flojo es el que acaba dándole el nombre.
Para el final me guardo comentar la, sin ninguna duda, mejor canción del disco, ACD (Abcessive Compulsive Disorder): punto de encuentro perfecto entre shoegaze, rock alternativo y dream pop, tupidas guitarras y batería machacona que se endulzan gracias a un perezoso estribillo repleto de melodía. Una auténtica delicia hecha canción.
Tired of Tomorrow es un trabajo continuista respecto a su predecesor, moviéndose en las coordenadas que han dado popularidad y hecho sobresalir a Nothing del pelotón de bandas que practican un revival shoegaze o incluso un neo grunge. Sus puntos fuertes, ya mencionados, siguen estando bien presentes y nos ofrecen varias canciones destacables, pero una desigual distribución de las canciones provoca que en los temas finales se desmorone un poco la grata sensación que estaba dejando el disco. A pesar de ello, Tired of Tomorrow es más que disfrutable, especialmente para los amantes de las guitarras y sonidos saturados.
Hace un par de meses las californianas Warpaint presentaban su tercer disco, Heads Up. Nuevo trabajo que supone un reto para el grupo después de que los anteriores The Fool y, especialmente, el homónimo Warpaint, no lograsen confirmar las expectativas generadas por su primer lanzamiento, el EP de 2008 Exquisite Corpse. Reto consistente en saber si son capaces de dar un paso adelante y afirmar el rumbo de su carrera o bien, continuar inmersas en el tono bajo de sus anteriores publicaciones.
En Heads Up, a pesar del cambio de productor –en esta ocasión Jake Bercovici-, continuamos encontrando los patrones característicos del sonido Warpaint. Dream pop con incursiones en el trip-hop gracias al uso de beats y algunas bases. Destaca sobremanera el trabajo de su excelente batería, Stella Mozgawa, omnipresente en todo el disco, bien secundada por la bajista Jenny Lee Lindberg que junto con, en varios temas, una sutil base electrónica actúan como colchón para los continuos juegos de armonías vocales que desarrollan tanto Emily Kokal como Theresa Wayman, cantantes y guitarristas ambas. Precisamente el protagonismo de las vocalistas sobre la instrumentación es lo que provoca el gran problema del disco y de la banda, la monotonía.
Lo mejor del disco está en su trío de canciones iniciales, WhiteOut con su atractiva línea de bajo, By your Side con una batería muy efectiva y, especialmente, New Song, la mejor canción del disco con gran diferencia, un pegadizo tema claramente orientado a la pista de baile gracias a su pegadiza base.
A partir de aquí, el barco va a la deriva y se hunde sin remisión. Las canciones se van sucediendo y todo suena muy bonito, nítido y elegante, en su sitio, perfectamente ejecutado, pero sin ningún atisbo de emoción, tan solo languidez y etéreos juegos vocales que no logran traspasar ni transmitir nada. Aunque podemos encontrar destellos puntuales (alguna línea de bajo, una batería creativa), tanto orden, falta de espontaneidad y supeditación a la insulsa interpretación vocal tan solo provoca linealidad, repetición y aburrimiento. Además, la extensa duración de Heads Up, 51 minutos, no ayuda en absoluto a aliviar esta sensación.
Tercer disco de las californianas y, al igual que pasaba con sus discos anteriores, tan solo recordaremos por una canción: New Song (al igual que Love is to Die en el anterior y Undertow en el inicial). Demasiado esfuerzo del oyente para tan poca recompensa. De seguir esta progresión, con un par de trabajos más, Warpaint conseguirán tener un buen recopilatorio con una excelente cara A.
Heads Up no supera el reto y provoca otra nueva decepción, la tercera ya. Dudamos que contente a nadie que no sea fan del grupo e incluso que se escuche más allá de la fantástica New Song. Con el transcurrir del tiempo, Warpaint se está trabajando un dudoso status de grupo de música arty para posturiles de red social.
Linda Guilala no es, precisamente, un grupo recién llegado. Sus miembros, Eva e Iván, formaron parte de los extintos Juniper Moon y su primer disco como Linda Guilala, Bucles Infinitos, se remonta al ya lejano 2009. Desde entonces, han publicado unos cuantos singles y EP’s aunque no ha sido hasta el espléndido EP Xeristar (2014) en que afianzan su sonido. Siguiendo la senda marcada por éste, hace un par de meses presentaron su nuevo trabajo, Psiconáutica.
Lo primero que llama la atención del disco es el extenso número de canciones, 20. Aunque hay que decir que la mitad de ellas no son tales, sino más bien esbozos, interludios, experimentaciones -ora ruidosas ora delicadas- que en varios casos no llegan al minuto de duración.
Los 10 temas restantes, incluyendo el postrero instrumental Uroboros, son un persistente combate entre el corazón pop de las canciones y las capas de sonido, feedback y distorsión que pretenden sepultarlo sin conseguirlo (como un pequeño y dulce Psycho Candy). Canciones que empiezan con aires dream pop y acaban desparramándose en un voluptuoso baño de shoegaze y sonidos abrasivos a las que se suman, en ocasiones, unas repetitivas bases electrónicas dotándolas por momentos de un cierto aire psicodélico.
Ecos planetarios en Monstruo y la acelerada y primer single Cosas Nuevas, aromas a los jesusandmarychain más broncas en Fobia Social I, bizarradas triangulares en Accidente o Fobia Social II (seguro que es Eva y no Isa quien canta?). Las maravillosas Abstinencia y Ansiedad como mejor ejemplo de canciones dream pop que desembocan en un intento noise pop de alto octanaje. A pesar de los nombres mencionados y otros que podríamos mencionar como My Bloody Valentine, los añorados Nadadora o los ponzoñosos Blonde Redhead de sus primeros discos, el gran mérito de Linda Guilala es conseguir canalizar todas sus gustos e influencias en un poderoso sonido de marcada personalidad propia.
Las letras, parcialmente indescifrables tras las capas de sonido, inciden en temas como la individualidad y el aislamiento, el miedo y desconcierto ante la sociedad que nos rodea, la amenaza de la depresión y la ansiedad siempre presente siempre latente. Los títulos de las canciones dan buenas pistas sobre su contenido.
Psiconáutica es el reflejo de muchos años de trabajo, de constantes piruetas, pruebas y experimentaciones hasta conseguir dar con la tecla precisa, el arreglo perfecto, el sonido buscado. La única crítica que se le puede hacer al disco radica en que ante la calidad de sus canciones prefiramos un par de temas completos más en detrimento de 3-4 temas experimentales. Pero como Linda Guilala siempre han hecho lo que les ha dado la gana, bienvenido sea Psiconáutica, un manjar para paladares entrenados.
La
lejanía en el tiempo, 4 años, de la publicación de su anterior disco –el
irregular Penny Sparkle- había producido una cierta expectación ante el
nuevo disco de Blonde Redhead. El grupo
formado por los italianos hermanos Pace y la japonesa Kazu Makino consiguieron
hacerse un nombre respetable a base de grandes canciones repartidas en sus
anteriores 8 discos y por su constante evolución, pasando de un noise-rock
inicial a ser los mejores exponentes del actual dream pop, hasta el punto de
convertirse en una de nuestras bandas favoritas.
Al
publicarse la noticia de su nuevo trabajo y ver su título, Barragán, no pudimos evitar que se nos
escapara una sonrisa. Pero no, no está dedicado al peculiar cómico barcelonés
sino que es un homenaje al arquitecto mexicano Luís Barragán.
El
disco se inicia con la inofensiva instrumental Barragán en la que suenan
una tibia guitarra acústica y una flauta (sí, habéis leído bien, una flauta!).
La impresión de desnudez y escasa instrumentación preside la primera mitad del
álbum con canciones tan lineales e insulsas como Lady M, Cat on Tin
Roof o Dripping. La segunda mitad mejora a nivel rítmico, empezando
con la tensa No More Honey así como con los teclados hipnóticos de Mind
to be Had aunque sus casi 9 minutos provocan que se haga interminable, algo
sucedido ocurre con Defeatist Anthem (Harry and I) y su fantástico
inicio con la etérea voz de la cantante pero que en su segunda parte se vuelve
agónica. A continuación, el mejor corte del disco, Penultimo, canción
reconocible de Blonde Redhead con los
intercambios vocales entre Amedeo y Kazu para acabar el disco con la sosa
Seven Two.
La
lánguida instrumentación de las canciones y la ausencia de sus característicos
juegos de guitarras y teclados envolventes que como una niebla, envolvían y
realzaban la voz de Kazu Makino convierten el disco en una sucesión de
canciones minúsculas. La reiteración de la estructuras de muchas de las
canciones con casi un único instrumento sonando de manera repetitiva y sobre
él, la voz de Kazu, provoca que ésta sea la gran protagonista y, muy a nuestro
pesar, en ocasiones se nos revela demasiado parecida a la de Bjork en Medulla
o Vespertine, con sus gorgoritos y momentos histriónicos incluídos, no
solo no pudiendo cargar en solitario con el peso del disco entero sino que
incluso llega a ser, al igual que la islandesa, irritante en algunos momentos.
Barragán
es un disco lineal, aburrido y carente de emoción. Esto último es lo que más se
echa en falta respecto a los grandes trabajos anteriores de Blonde Redhead (Misery is a
Butterfly, 23) y provocará que caiga rápidamente en el olvido. Igual si el
homenaje hubiese sido a nuestro Barragánel aburrimiento no sería su elemento predominante,
aunque si le preguntamos a éste igual dirá que el disco es una castaña.
