BELADRONE - ANDÉVALO. Una crítica

Breve reseña publicada en www.ipopfm.com

Los añorados Blacanova eran una banda tan singular como inclasificable y sus fans, acérrimos, nos quedamos huérfanos con el anuncio de su disolución. Lo que en su momento fue una nefasta noticia, con el tiempo ha evolucionado hacia la alegría y satisfacción al ir descubriendo los nuevos entes que van surgiendo de sus cenizas. Primero, aparecieron los más que interesantes Martes Niebla y durante este extraño verano pandémico han sido Beladrone los que han alumbrado su primera criatura en formato de disco largo.

Acabo de revelar parte de la genética de la banda. La otra parte, procede del universo post-rock de los desaparecidos (o eso creemos) Tanhauser. Los ingredientes de esta aleación predecían un resultado prometedor. Estos ingredientes, o integrantes que es mucho más apropiado, son Manuel Begines, Paco Arenas e Iñaki García, con la colaboración de Eduardo Escobar a la batería, se pusieron en manos de Nacho García y Raúl Pérez en su estudio La Mina para grabar su disco debut, el magnífico Andévalo.

Andévalo ofrece 8 canciones en que mezclan sin pudor el noise, el shoegaze, el post punk y el indie rock más atmosférico. Por sus surcos transitan aromas a My Bloody Valentine, Slowdive o, incluso, Sonic Youth o The Sound. A la lista de deslumbrantes singles precedentes; La Flecha, El Valle y Cemento, cabe añadir canciones tan destacadas como la palpitante Andévalo, las ruidosas Astro Muerto y Quema, reservando una mención especial para los seis minutos largos de la postrera Las Monjas y su trenzada distorsión, enhebrada por los sintetizadores enloquecidos de Cristian Bohórquez, que cierra de manera apoteósica este compacto, hipnótico y adictivo Andévalo. 

Sus letras, entre capas de ruido y distorsión, barajan realidad y elementos oníricos, situándolas geográficamente en la provincia de Huelva, con lo que este disco no deja de ser un homenaje a sus tradiciones y leyendas, entremezcladas con los recuerdos de los integrantes de la banda. Como nota curiosa, a cada canción le corresponde una coordenada para situarla en el mapa. 

Andévalo ha sido publicado por El Genio Equivocado y es un disco antológico que ha nacido con vocación de clásico.   

THE SPOOK SCHOOL - COULD IT BE DIFFERENT?

The Spook School se formó en 2012, un combo entre compañeros de la Universidad de Edimburgo integrado por los hermanos Adam y Nye Todd, ambos guitarristas, Anna Cory al bajo y Niall McCamley a la batería. Su primer disco, Dress up, data de 2013 teniendo su continuación un par de años después en Try to Be Hopeful. Sus optimistas y reivindicativas canciones les han granjeado críticas favorables y una popularidad creciente que esperan reafirmar con su último lanzamiento, Could It Be Different? publicado hace unos meses.

Para el nuevo trabajo vuelven a contar con la producción de Matthew Johnson - integrante de los Hookworms-, para reincidir y fijar todavía más su optimista y melódico power pop punk repleto de estribillos, con las guitarras cruzadas ahora cristalinas ahora distorsionadas de los hermanos Todd, el bajo acerado y la veloz batería sobre el que destacan las bellas armonías vocales y los magníficos coros que consiguen al tener tres vocalistas diferentes en el grupo.

Tras un sonido tan alegre y luminoso, encontramos unas letras explícitas que hablan sobre la lucha por los derechos de los transexuales y la igualdad de género, las relaciones sentimentales y, especialmente en este trabajo, el miedo a tomar decisiones (de ahí su título). Aunque todo ello tratado con una importante dosis de positivismo y esperanza, marca de agua inequívoca de The Spook School.

El inicio de Could It Be Different? es espectacular, con una primera cara repleta de temas frescos y contagiosos. Desde la combativa Still Alive (con su estribillo Fuck You, I’m Still Alive) pasando por la fugaz Best of Intentions, las inspiradas Less than Perfect y Keep in Touch -con unos coros bellísimos- finalizando la primera mitad con Bad Year, que engancha desde la primera escucha con su combinación de coros a lo Beach Boys junto con guitarras distorsionadas y un estribillo de pop clásico. 

Con un listón tan elevado, en la segunda mitad desciende ligeramente el nivel, aunque sigue contando con triunfos como las efervescentes I Only Dance When I Want To, I Hope She Loves You, la montaña rusa que es Body, y el cierre con High School, la canción más larga y contenida del mismo. En total, once canciones para unos escasos treinta y tres minutos que se hacen realmente muy cortos y disfrutables. 

Could It Be Different? es un nuevo aldabonazo en la carrera de The Spook School. Un disco repleto de temas directos y bailables, que pueden recordar a referentes como unos Heavenly hipervitaminados (y por ende a los grupos más acelerados del catálogo de Sarah Records) hasta The Rentals y los muy añorados Weezer iniciales, con mayor querencia por los estribillos. Un nuevo triunfo de los escoceses en un disco que supone un canto al optimismo y a las ganas de disfrutar de la vida. Decir recomendable es quedarse corto.

LESS THAN PERFECT

STILL ALIVE

BAD YEAR

COULD IT BE DIFFERENT? en Spoti

TOM BOYLE - Vuelve a Empezar. Una crítica

Una de las mejores noticias musicales del año pasado fue la vuelta a la actividad de Tom Boyle. El grupo getxotarra, cuyo nombre homenajea  a un legendario skater, anuncio un parón en 2011 después de publicar unos magníficos LP y EP, Maniobra de Aproximación y Biografía de un Espejo respectivamente. Cese de actividades que finalmente se prolongó -salvo alguna reunión puntual- hasta mediados del año pasado en que, con energias renovadas, los miembros iniciales Xabier Setién (guitarra) y Gloria Para (bajo y voz), reclutan a Oskar Hernández (guitarra y voz) y Miguel Terán a la bateria. Todos juntos van a los sevillanos Estudios La Mina y en 5 días y de la mano de su habitual productor, Raúl Pérez, graban su nuevo y esperadísimo trabajo, el LP Vuelve a Empezar, nada más y nada menos que nueve años después de su primer LP.

El disco se inicia con Hojas Amarillas, publicada como primer single, en la que un muro de guitarras secunda la bonita y delicada voz de Gloria. Muro de Cristal se mueve por patrones similares, instrumentación deudora de Slowdive y MBV, más rápida que la anterior y con una letra que habla sobre como las personas toman caminos distintos. Continúa En otra Etapa con un inicio relajado y de cadencia lenta que acelera conforme las guitarras, repletas de pedales y distorsión, crecen progresivamente apoderándose de una canción poseedora de una lírica preciosa. Sigue Erizos en Invierno, con una base rítmica claramente deudora del Wake Up de Arcade Fire mientras la letra desarrolla conceptos schopenhauerianos sobre la atracción y el punto de equilibrio, en una canción que igual acusa su larga duración. 

La segunda mitad se inicia con Gravedad, en que trenzadas guitarras sostienen su armazón mientras Gloria surfea dominante sobre ellas dando como resultado uno de los puntos álgidos del disco. A continuación llega Horas Perdidas, un delicioso caramelo pop de ácido trasfondo por su texto sobre la pérdida y su aceptación, contrastando el mensaje con el tono alegre y desenfadado de la canción que cuenta incluso con coros. En Universo Azul podemos encontrar aromas planetarios en sus inicios llegando a coquetear con el slowcore hasta que las guitarras revientan, como olas contra la playa, en su estribillo central perdurando en auge hasta el final. De la mano de la pausada y relajada Casiopea y Orión llegamos al final, contrastando el tono plácido de esta última con el resto mucho más bullicioso.

En la primera escucha de Vuelve a Empezar, nos reencontramos fácilmente con el sonido del grupo que conocíamos. Tom Boyle siguen siendo unos artesanos tejedores de bonitas melodías, favorecidas por la bonita y delicada voz de Gloria, envueltas por enmarañadas capas de guitarras que se retienen para desparramarse exponencialmente en los estribillos, dando como resultado unos temas tan atractivamente ruidosos como sensibles. Virtuosos creadores de disfrutable pop de amplio espectro, oscilante entre el engrasado noise-pop o shoegaze de Slowdive, My Bloody Valentine o Minor Victories y el pop delicado y preciosista de La Buena Vida o Nosoträsh, encajando perfectamente en unas coordinadas similares, como primos hermanos, de los añoradísimos Nadadora.

Vuelve a Empezar es un disco magnífico, que se hace muy corto en sus escasos 38 minutos, repleto de bellos e infecciosos temas destinados a perdurar. La larga espera ha valido la pena y Tom Boyle han vuelto para demostrar que son una tangible realidad. El disco enamorará sin remisión a sus seguidores de siempre y convencerá a quien les descubra por primera vez. Ahora tan solo nos queda pedirles que no esperen tanto tiempo en publicar un nuevo trabajo.

HOJAS AMARILLAS

 

EN OTRA ETAPA  

 HORAS PERDIDAS  

VUELVE A EMPEZAR en Spoti

 

A quien le pueda gustar el disco, dejo el enlace de la campaña de mecenazgo que están promoviendo para poder editar el disco en formato físico.
Colaboración Edición Física Vuelve a Empezar 

VIVA SUECIA- OTROS PRINCIPIOS FUNDAMENTALES. Una crítica.

Quien conocía a Viva Suecia por sus trabajos anteriores, su homónimo EP de debut y el LP La Fuerza Mayor, esperaban expectantes la publicación del nuevo disco. En ellos, destacaba el magnífico trabajo de las guitarras y, lo más importante, contaba con buenas canciones. A pesar de ello, el conjunto final se resentía de una producción demasiado deudora de sus ídolos y paisanos Neuman, que aplacaba en demasía su sonido, siendo los mejores temas los que rompían este encorsetamiento; los ya himnos Bien por ti y Los años.

Para el nuevo trabajo, Otros Principios Fundamentales, y posiblemente para escapar de la sombra del disco anterior han contado con el reputadísimo Carlos Hernández Monbiela a los mandos. Éste ha producido últimamente a grupos como Disco las Palmeras, El Lado Oscuro de la Broca y, especialmente, el maravilloso Salve Discordia de Triángulo de Amor Bizarro, dotándoles de un sonido tan agresivo como compacto.

Y el cambio se nota positivamente. Viva Suecia sigue siendo un grupo de guitarras pero entre la mayor madurez como músicos de sus integrantes y la acertada mano del productor, al incidir en el aumento del volumen y otorgando mayor protagonismo a bajo y batería, han logrado un sonido más denso y consistente, con un mayor andamiaje en las canciones que les permite aumentar la velocidad de ejecución escudados en una trenzada y muy rítmica base sonora, sobre la que descargan sin piedad agresivos riffs de guitarra, aderezados con la dosis justa de distorsión, allanando el camino para romper en  explosivos estribillos.

Además de una mejora general en su sonido, lo realmente destacable de Otros Principios Fundamentales es que hay grandes temas, y estos no son escasos sino todo lo contrario. Desde los hits evidentes que han lanzado como adelantos: la apabullante Hemos Ganado Tiempo con ecos triangulobizarrianos y la preciosa A Dónde Ir, pasando por temas que se descubren con las escuchas como la frenética El Nudo y la Esperanza de amarga y, como es habitual en ellos, críptica letra. ¿Nos ponemos con esto? con unas magníficas guitarras para una canción de base pop. Nunca estamos solos y Vamos a hacer… dos canciones que empiezan calmadas y no dejan de crecer y crecer hasta que se desparraman en unos instrumentales vigorosos. Inteligentes que son, acaban con el crescendo de …que Esto Funcione logrando que el oyente se entregue sin concesiones a su música y tenga ganas de girar el disco y volver a escucharlo de nuevo. Así, una y otra vez.

A pesar de sus abundantes virtudes, cabe decir que hay un par de temas que lastran ligeramente el conjunto general. Tanto la retorcida y planetaria La Estrella de David, por excesiva, como Lo Último que se Pierda, mal colocada rompiendo el ritmo en plena concatenación de canciones vitaminadas, rompe el ritmo. Al pop-rock de tintes épicos practicado por Viva Suecia le sientan mucho mejor los temas acelerados y contundentes que las letanías. 

Gracias a Otros Principios Fundamentales, Viva Suecia no dan un paso, dan un triple salto adelante colocándose en primera línea del indie patrio y, sobretodo, dejando atrás al contingente de bandas insulsas y vacuas que abundan en el espectro del indie español. Su sólido pop-rock de guitarras poderosas pueden recordar a bandas como los referenciales Triángulos de Amor Bizarro, los Neuman más intensos, los Niños Mutantes tanto insomnes como primerizos –los más interesantes, sin ninguna duda- e incluso a otros como A Place to Bury Strangers, The Hellacopters o, por momentos, a los The Killers más efervescentes. Si alguien tiene alguna duda sobre la posición que ocuparán, que cuenten los festivales en que tocarán este verano.

Felicidades a Viva Suecia, tenían muy claro a dónde ir y lo han conseguido. 

 A DONDE IR

 HEMOS GANADO TIEMPO

EL NUDO Y LA ESPERANZA

Otros Principios Fundamentales en Spoti

Animic- Skin. Una crítica

Los últimos años de la trayectoria de Animic demuestran que son un grupo nada acomodaticio. Dejaron atrás su folkie original para adentrarse en la oscuridad de la mano de su magnífico Hannibal y ahora, más de tres años después, dan una nueva vuelta de tuerca en su nuevo trabajo, Skin.

En Skin, renuncian definitivamente a la batería –que tocó Louise Sansom en el disco anterior- ocupándose ella en exclusiva de las voces y Ferràn Palau aparca su guitarra (después del éxito de su disco y gira Santa Ferida), para situarse detrás de los teclados ayudando y complementando a Juanjo Montañés para potenciar sintetizadores, bases y arreglos electrónicos varios. Estos cambios provocan un claro viraje hacia la electrónica en un salto sin red y de elevado riesgo.

El disco se inicia con la sorprendente y recargada base de Gem seguida por la aparición de unos densos teclados, sobre los que se impone sin dificultad la preciosa voz de Louise, en una canción que nos da la pauta de su nuevo sonido. Continúa con TV incorporando elementos del tecno más industrial para aumentar la velocidad, a base de bpms, en Glass, para inducirnos a bailar en un efectivo viaje de escasos tres minutos. En Silence frenan y adoptan un tema intimista para narrar la tensión y dolor del fin de un romance.

La segunda cara se abre con la rítmica Inhuman, que a pesar de su inicio casi reggaetonero acaba convirtiéndose en una de las joyas del disco, con una letra en que denuncian la deshumanización aceptada que provoca la tecnología. A continuación, Slave y su grata maraña de ruidos envolventes. En Hidden, Louise se desnuda emocionalmente en esta canción dedicada a su hijo, logrando un tema tan emocionante como escalofriante. Termina el disco con la efectista Whales para cerrar una cara B ciertamente destacable.

Skin es un disco tan acertado como sorprendente. Los elementos electrónicos quieren ser los protagonistas pero quien termina siéndolo es la magnífica voz de Louise Sansom, en un auténtico tour de force, demostrando su enorme versatilidad como cantante. Los rítmicos arreglos electrónicos de Inhuman o Slave les emparentan con los fantásticos últimos trabajos del danés Anders Trentemøller. En TV y Whales se cuelan algunos retazos de Nine Inch Nails o Machine Head. En la magnífica Gem y las intimistas Silence y Hidden nos recuerdan, por momentos, a los añorados Fang de Mariona Aupí e incluso a unos Portishead desnudos. Tan solo en la espídica Glass tenemos la sensación de que se les ha ido un poco la mano. En cuanto a las letras siguen con sus temas descreídos, desesperanzados y con un punto de pesimismo.

Disco cortísimo, 8 canciones para 31 minutos, de elevado riesgo pero del que salen airosos, logrando un gran disco que nos deja canciones realmente destacables como Gem, Inhuman o Slave. Profundizan en el camino iniciado en Hannibal, bien adentrados en la oscuridad –darkwave de alta calidad- pero le añaden una paleta de arreglos electrónicos consiguiendo salir airosos del envite y dejando todavía más atrás a los Animic de sus primeros trabajos, afianzándose en su sólido y prometedor presente, dejándonos con muchas ganas de poder presenciar la traslación al directo de su novísima propuesta, Skin.

Como colofón, comentar que cada canción tiene un videoclip realizado por un director diferente y que complementan perfectamente al disco.

GEM

SLAVE

INHUMAN

Skin en Spoti 

Soviet Soviet- Endless. Una crítica

Hace ya unos años descubrí a un grupo italiano de post-punk llamado Soviet Soviet. Me llamó la atención la preponderancia de un bajo áspero en su sonido y sus claras raíces en la música de Joy Division. Indagando más que por algo Internet es una mina, descubrí que el grupo había publicado tres muy recomendables EP’s –que precisamente ahora se han recopilado con el título Nice. Poco después, en 2013, apareció su primer LP Fate, que les situó en los primeros puestos del revival post-punk europeo y, hace ya unos meses entregaron el siempre difícil segundo disco, de título Endless.

Endless tiene 9 canciones para un total de 41 minutos. Canciones largas que superan en todos los casos los tres minutos y medio. Temas intensos de sonido muy elaborado, trenzado por un omnipresente bajo que percute imparable y sobre el que planean tormentas en forma de enérgicos riffs de guitarra mientras la batería, a toda velocidad, refuerza y sostiene el vertiginoso ritmo de las canciones. Bajo este entramado el cantante, Andrea Giometti, preserva la melodía en unas canciones sin prácticamente estribillos. Esta renuncia provoca que Endless sea un disco muy compacto, con un gran nivel en todos los temas, un viaje en el que destaca el inicio con la trepidante Fairy Tale, el single Endless Beauty, la relativa bajada de velocidad en Star y, a partir de ésta, el acelerón incontenible iniciado en Pantomime y Rainbow hasta la postrera Blend.

Soviet Soviet tienen muy claro como quieren sonar, y han sido ellos mismos los productores del disco con la ayuda de Black Candy. Se hace evidente que el cantante y, a la vez, bajista es el creador de las canciones ya que este instrumento es la base de su música. Es destacable que con una formación clásica de guitarra, bajo y batería (Alessandro Constini, Andrea Giometti y Alessandro Ferri respectivamente) consigan un sonido tan potente, denso e intenso, que bebe tanto de Joy Division como de otros grupos del post-punk más vigoroso como Bauhaus, Wire o Killing Joke, sin hacer ascos a picotear del punk combativo y del rock alternativo más aguerrido.

Endless es otro gran disco para la carrera de Soviet Soviet, que asienta y confirma todavía más su potente sonido y refuerza su posición cabecera en el revival post-punk europeo, en el que los grupos italianos –como Geometric Vision, Ash Code o Winter Severity Index- cada vez tienen más repercusión. Una gozada de disco para los amantes del género aunque puede tener un punto demasiado abrupto para los no iniciados.

 ENDLESS BEAUTY

PANTOMIME

STAR

ENDLESS EN SPOTI

Neleonard- Las Causas Perdidas. Una crítica.

Seguimos los pasos a Neleonard desde que tuvimos la oportunidad de verlos tocar, e impresionarnos, en el fantástico festival Maldaltura en 2014, poco antes de su primera entrega discográfica, un mini-lp de 6 canciones llamado Agosto. Desde entonces han estado más de dos años preparando su primer disco largo, Las Causas Perdidas. Diferentes movimientos en la banda hasta conformar la alienación definitiva (Nele, Laura, Guille, Eloy, Elena y Pedro), las actividades de las bandas paralelas de algunos de sus miembros –Gúdar, Gabriel y Vencerás o Die Katapult- y el darle vueltas a las canciones hasta encontrar la palabra, la rima, el arreglo idóneo, provocaron la demora en su publicación.

Neleonard viene a ocupar un espacio en la música pop de este país que ha quedado un poco huérfano desde la disolución de La Buena Vida. Canciones bipolares que hablan de algo tan universal y cercano como el amor y su reverso oscuro, el desamor. Para ello se sirven de unas letras directas y confesionales que desprenden ilusión, entusiasmo y felicidad por un lado y añoranza, desolación y un cierto extravío por otro. Emociones cercanas y fácilmente identificables que son tratados con sensibilidad huyendo de la ñonería y la impostura. Temas muy melódicos que podemos calificar de twee pop, pop luminoso o, sencillamente, pop pluscuamperfecto basados en la excelente combinación de las voces de Nele y Laura (mención especial a lo bien que canta esta chica) y unos arropadores arreglos tan precisos como perfectos y tan variados que escuchamos desde pianos a violines pasando incluso por mandolinas.

Las canciones del disco supuran influencias de estilo y mucha clase: Heavenly, BMX Bandits y el catálogo de Sarah Records aparecen en temas optimistas como Reluces o Mariadel. El pop de cámara también tiene sitio en La más alegre y en Menos de mí, recordando inevitablemente a The Divine Comedy o Belle & Sebastian. En Seguro que es por mí, Vivir como ellos, Tu fiesta y Salvavidas transitan por parajes más desolados e intimistas asomándose a los abismos emocionales de los anteriormente mencionados La Buena Vida y los Deneuve más descarnados. Entre las canciones del disco relucen especialmente dos gemas: Coger frío y Ya ni cuento, dos rítmicos temas que recogen el testigo de todos los grupos citados anteriormente y lo llevan más adelante con dos canciones que no desmerecerían en el repertorio de ninguno de ellos. Acaba el disco con la melancólica tristeza que emana de Despedida que indefectiblemente provoca ganas de volverlo a escuchar de nuevo. A pesar de todas las influencias citadas Neleonard no realiza en absoluto un pastiche de influencias sino que las ensambla a la perfección para conseguir una sólida e irresistible voz propia.

Las Causas Perdidas es uno de esos discos sorprendentes que pueden pasar desapercibidos en un primer momento pero que se acaba convirtiendo en un fiel compañero de viaje al que recurrir una y otra vez. Enorme primer trabajo de Neleonard, sin ninguna duda.

COGER FRIO 

RELUCES

MARIADEL

LAS CAUSAS PERDIDAS EN SPOTI